| Московская государственная художественно-промышленная академия имени С.Г.Строганова Реферат на тему: «Что такое египтезирующий стиль и его проявление» Выполнил: Студент 1 курса РМДЖ Кочан Александра Николаевна Проверил: Трощинская Александра Викторовна Египтизирующий стиль — это проявление египтомании, направление в европейском искусстве, использующее темы, сюжеты, образы и формы искусства Древнего Египта (один из неостилей). Египтомания — увлечение древнеегипетскими атрибутами (одежда, культура, архитектура, письменность, декор) в последующие периоды истории, выступает как одно из проявлений модных тенденций. Интерес к древнеегипетской традиции возникал спорадически: впервые во времена Древнего Рима, однако апогей египтизирующего стиля приходится на конец XVIII — начало XIX веков, когда Египетский поход Наполеона Бонапарта заново открыл Египет для Европы. Следующий важный этап развития египтизирующего стиля и моды на египетские мотивы связан с открытием в 1922 г. английским археологом Г. Картером гробницы фараона Тутанхамона. Египетский стиль подразумевает орнамент в виде египетских иероглифов. Из скульптурных композиций характерны кошки, сфинксы, грифоны и скарабеи. Статуи инкрустировались, украшались и нередко помещались в стенные ниши. Помещение стен покрывалось фресками на тему загробной жизни. Лица непременно изображались в фас. В цветовой гамме присутствовал сапфировый цвет и золотые украшения, а также песчано-желтый. Древний мир. Древний Рим Связь египетской царицы Клеопатры с Юлием Цезарем, её жизнь в Риме, а затем Последняя война Римской республики, завоевание Египта Римом и превращение его в провинцию (32 г. до н.э.)., доставка военных трофеев из Египта повлияли на распространение египетских мотивов в Риме. Древнеегипетское искусство впечатляло древних римлян таинственностью, экзотичностью и мистическим содержанием. В 43 г. до н. э. на Марсовом поле были возведены храм Исиды и храм Сераписа, египетских божеств. Оба храма представляют собой сочетание египетского и эллинистического архитектурных стилей. В большинстве произведений искусства, украшающих храмы, использовались мотивы, напоминающие о Египте, и они содержали несколько подлинно египетских предметов, таких как пары обелисков из красного или розового гранита из Сиены . Раскопан храм Исиды в Помпеях. Храм был построен в 1 веке до н.э.. За четырьмя колоннами фасада скрывались две боковые ниши. В них стояли статуи Гарпократа (или как его называли египтяне – Гор) и Анубиса – египетских богов, связанных с культом Исиды. Храм Исиды в Помпеях Канопа на вилле Адриана На Капитолийском холме были установлены фигуры львов из чёрного базальта египетского происхождения. В XVI в. их перенесли к подножию Капитолийской лестницы. Они сохранились до настоящего времени. Египтомания затронула и римскую архитектуру. Наиболее известный пример — Пирамида Цестия — искусная стилизация под древнеегипетские пирамиды. Она является древнеримский мавзолей в форме неправильной пирамиды на Авентине в Риме, рядом с воротами Сан-Паоло. Пирамида Цестия Эпоха Возрождения характерна вниманием художников не только к античному наследию, но и к иным древностям, в том числе египетским, ранее уже привнесенным римлянами в свою культуру. Древнеегипетские обелиски, доставленные в Рим при Октавиане Августе и его преемниках и поверженные на землю в Средневековье, были подняты и снова превратились в градообразующие элементы. Около 1512 года были выполнены миниатюры «Служебник Колонна» для кардинала Помпео Колонна с элементами декора древнеегипетского происхождения. Достоверного изобразительного материала для художников почти не были и поэтому они в большей степени пользовались свои воображением. Большой вклад внесли гуманисты, изучавшие античные тексты. Поджо Браччолини перевёл Диодора, описывающего чудеса Египта. В 1419 году была найдена рукопись Гораполлона «Иероглифика», содержавшая ошибочные попытки перевода египетских иероглифов. В 1463 году Марсилио Фичино перевёл текст Corpus Hermeticum, приписываемый египетскому мудрецу Гермесу Трисмегисту. В 1488 году изображение Гермеса Трисмегиста, почитавшегося в эзотерическом христианстве, было включено в композицию мозаичного пола Сиенского собора. Гермес Трисмегист на мозаике Сиенского собора Себастьяно дель Пьомбо «Портрет Андреа Дориа» Неоклассицизм Элементы египтизирующего стиля присутствуют в проекте дворца Жан-Жака Лекё в Сен-Жермен-ан-Ле Булле. Для творчества этого архитектора также характерны фантастические проекты с использованием египетских мотивов. Форма египетской пирамиды была востребована в виде уменьшенных копий — павильонов-капризов, мемориальных монументов, надгробий, которые в конце XVIII века повсеместно украшали сады и парки загородных поместий. Древний Египет играл большую роль у масонов. В парижском парке Монсо (1778) и парке Мопертьюи в Бри были установлены пирамиды — «гробницы» с ложными могилами и статуями. Важно, что владельцы парков, а также архитекторы — Кармонтель и Броньяр были масонами. Декоративное убранство обоих парков было насыщено масонской символикой, а сами пирамиды использовались во время церемоний братства.Пирамида в парке Монсо Пирамида символизировала вечность и бессмертие, поэтому пирамидальную форму придавали многим монументальным надгробиям. Египетские сфинксы не менее пирамид были востребованы в качестве атрибутов оформления неоклассической дворцовой и парковой архитектуры, причём рисовальщики и архитекторы-декораторы использовали упрощенные варианты, известные по ренессансным гротескам. Масоны считали египетского сфинкса символом мистерий и использовали их в своей архитектуре, рассматривая как «стражей врат храма». Ампир Характерной чертой является сочетание декоративных элементов, заимствованных из предшествовавших эпох. Главным источником для стилизаций стали материалы, полученные после похода Наполеона в Египет в 1798—1801 гг. Поход был плодотворным для развития науки и искусства. Художники французского ампира использовали мотивы египетских папирусов, цветов лотоса, пальм, сфинксов, масок фараонов, изображений скарабеев и кобр, совмещая их с мечами, стрелами, щитами-пельтами и легионерскими штандартами для оформления дворцовых и аристократических интерьеров и мебели. Египетские мотивы использовались в архитектуре, декоре, в оформлении интерьеров, живописи, скульптуре. Они так же использовались для прославления Наполеона («Фонтан Феллаха», «Фонтан Победы»). Египетские мотивы использовали и для фарфоровой мануфактуры. В 1804—1806 гг. в Севре изготавливали большой «Египетский сервиз» с росписями и фигурными предметами по гравюрам с рисунков Денона. Наполеон преподнес этот сервиз в дар императору Александру в 1808 г. во время их встречи в Эрфурте в память о заключении Тильзитского мира. «Фонтан Феллаха» в Париже Во времена Александра I и Николая II отразившаяся в петербургской архитектуре новая мода на египетскую тематику возникла в Европе после похода в Египет Наполеона в нач. Покровителями моды на Египет были великий князь Павел Петрович и масон граф А.С.Строганов. Его протеже, молодой архитектор А. Н. Воронихин в 1803 г. оформил Египетский вестибюль в Большом дворце в Павловске с большими «египетскими фигурами», выкрашенными под темную, патинированную бронзу. Египетский вестибюль Павловского дворца Сфинксы с университетской набережной в Санкт-Петербурге Фонтан «Пирамида» в Санкт-Петербурге В период историзма египетский стиль остается популярным во всей Европе. Египетские элементы используются в архитектуре промышленных зданий, нежилых и государственных учреждений. В Европу так же продолжают привозить египетские артефакты. Продолжающиеся археологические исследования привели к постоянным открытиям новых артефактов в Египте — такие события, как открытие Суэцкого канала в 1869 году и раскопки Телль-эль-Амарна в 1887 году сообщаются в новостях по всему миру, и в это же время как художественные достижения, исполняется опера Джузеппе Верди «Аида» в 1871 году, и она захватывает воображение публики. В то время как восточные темы и предметы были обычным явлением в живописи и скульптуре, египетские иероглифы переделывались в декоративный вид, поскольку высоко стилизованная эстетика хорошо сочеталась с повседневными предметами, такими как керамика и серебро, а также с ювелирными изделиями. В дополнение к формам с явным влиянием Египта, были также геометрические узоры и растительные формы. По мере того, как более буквальные переводы древнеегипетского искусства выходили из моды, дизайнеры начали перенимать эти более художественные мотивы. На рубеже веков стали популярными различные стили в декоративном искусстве, такие как эстетика, искусство и ремесла, а также движения в стиле модерн. Тем не менее, египетские мотивы все еще время от времени появлялись в декоративном искусстве, например, геометрические узоры и пальмовые листья в уникальных украшениях и декоративных работах Мари Циммерманн. Мотивы веера и кобры на металлических изделиях и переплетенный резной узор заимствованы из источников египетского дизайна В эпоху модерна и начале XX века «египетский стиль» применяется в строительстве различных по назначению объектов. Египетские элементы придавали строгим, массивным постройкам и интерьерам оригинальность и красочность. Египетские мотивы также стали неотъемлемой частью ар деко, стиля, который доминировал в декоративном искусстве до середины 1930-х годов. |
Обожествление императорской власти опиралось на культ фараона у египтян.
Обелиски устанавливали в центре римских площадей, например установка Ватиканского обелиска Д. Фонтана в 1585 г.
Надпись создает ребус, который легко читался образованными людьми того времени, знакомыми с указанными сочинениями.
XIXв. В России египетскими мотивами характеризуется стиль «Александровский классицизм», хронологически отстающий от общеевропейского французского ампира, а также последовавший за ним николаевский классицизм. Им обоим была свойственна имперская величавость, что идеологически соответствовало египетской манере. В архитектуре использовались такие мотивы, как пирамиды, пилоны, обелиски, сфинксы.
Египетские мотивы проникали в русское искусство ещё при Петре I, по инициативе самого императора, когда в Петергофе был установлен фонтан «Пирамида».
В оформлении интерьера и мебели архитекторы-декораторы чаще пользовались не методом целостной стилизации, а сочетанием элементов различных стилей.Египетский стиль. Приметы египетского стиля в современных интерьерах
Египетский стиль – древнейший и таинственный, давший архетипические черты не только историческим и этническим интерьерным стилям, но и самым современным. И в классике, и в минимализме, и модерне – очень много приемов и атмосферы египетского стиля, пусть это и не всегда читается и замечается, особенно на первый взгляд. Гармоничный и пропорциональный интерьер практически всегда содержит математическую точность форм, спокойную симметрию и царственную приветливость – чем не Древний Египет в его мудрости и величии? Но древняя изначальная классика, ставшая основой очень многих стилей и направления искусства и архитектуры, предстает в интерьерах не только скрыто, а очень даже антуражно и без всякой сакральности: роскошь и буйство красок и форм, достойная фараонов.
Для чувств – шикарная сочная обстановка, а для подсознания – тени загадок ушедшей египетской цивилизации, чудесная атмосфера сказки, аромат тайны. Египетские интерьеры вовсе не такая уж редкость в современных квартирах, но в полной красоте они проявлены все же не в бюджетном, а в богатом и престижном дизайне.
Египетский стиль в интерьере
Египетский стиль в интерьере: при этих словах представляются колонны и барельефы, огромные силуэты кошек, глаза которых полны тайны и презрения, а также разные фрески, скульптуры, полосатые ковры и шелковые подушки – в общем, воображение разыгрывается в меру познаний истории и частоты просмотра исторических фильмов (обычно способных лишь запутать непрофессионала и рассмешить историка). Говоря о египетских интерьерах, любители не-дизайнеры не обязательно имеют в виду «древнеегипетские», часто речь идет о неоегипетском оформлении (очень тонко обозначенном французским retour d’Égypte, или египтизирующий стиль). Так или иначе, в интерьере египетского стиля сегодня не всегда присутствуют строгая симметрия, прямизна линий и сглаженность форм, и уж точно нет величия и значительности обиталища жрецов.
Интерьеры египетского стиля – праздничны, они дарят наслаждение чувствам, находиться в подобном окружении приятно и комфортно.
В «царских» интерьерах ампира и барокко, как во многих других, нередко есть черты стиля Древнего Египта, а в современных интерьерах довольно часто встречаются украшения и декоры и древней, и современной египетской тематики, все это настолько привычно, что воспринимается порой без малейшей привязки к архетипам Египта. Даже стилистика рококо не лишена традиции использования египетских мотивов, и этой праздничной легкостью переходов мы обязаны многим монархам — любителям интерьеров, вплоть до последнего французского короля Людовика 16-го (к его правлению и Египетскому походу Наполеона относят и взрыв интереса к моде на египетские интерьеры).
Египетский стиль в современном интерьере
В современной квартире интерьер с чертами египетского стиля может быть светлым и свободным; атмосферность создается деталями: шелковый ковер на полу, орнамент на изголовье деревянной кровати, цветные шторы на окне.
В современности африканской страны – все веяния прогресса и инновации техники, поэтому и в египетском интерьере они уместны. Конечно, речь не идет об оформлениях с подчеркнуто древним антуражем, но нужно сказать, что даже выдержанные строго в исторической тематике, выглядят такие интерьеры куда более фантазийно и необычно, чем более простые современные оформления с «египетским» декором – вазой, циновкой, панно с изображением головки Нефертити или кошки Бастет.
Современные коллекции плитки, обоев, линолеума, домашнего текстиля часто включают египетские мотивы, и только в воле хозяев решать, насколько уместными будут в их жилище принты с погребальным ритуалом фараона, стилизованные мумии или бордюры с цветами лотоса. Далеко не каждый египетский интерьер должен содержать пиктограммы или изображения людей и жутковатых животных в «профиль по-египетски», с руками и туловищем в фас. Современный египетский интерьер очень часто не содержит ни единого украшения в данной тематике, атмосферу дает классика цвета и света, темные чистые оттенки, спокойная симметрия.
Цвета и оттенки
Главный цвет должен быть из палитры теплого желтого, во всем ее огромном диапазоне от кремового до охряного; цвета песка и заката, слоновой кости и золота. Краски — сочные и чистые, и кроме желтой палитры, очень ограниченные и не смешанные – бордо и кофе, цвет мха и темная бирюза, оттенки черного дерева и темного вина.
Очень важно качество и цвет текстиля, поскольку в египетском интерьере важны драпировки и всевозможные покрывала, а еще лучше – балдахин над кроватью. Светлые оттенки, греж и беж, белая палитра – но только обязательно теплая; цвета земли, травы и Солнца, однотонность фона и строгий, изысканные геометрический орнамент. Актуальна натуральность состава – чистый лен и хлопок в отбеленном и окрашенном варианте, чистошерстяные ткани.
Мебель и отделка
Мебель во дворцах фараонов, по свидетельствам историков, была темной, украшалась резьбой, эмалями, перламутровыми инкрустациями и изобиловала позолотой. Черное дерево и много золота, и если интерьер решен в стиле фараонов, а не простых египтян – то и богатые декоры, мебельные ножки в виде лап львов и птиц, иероглифы на стенах и даже сценки войн и погребений фараонов на кафельной плитке в ванной.
Низкий сундук или кушетка, просторное кресло, диванчик на двоих, широкая кровать – отлично впишутся в интерьер. Современная строгая мебель из натурального дерева и в темных, и в светлых оттенках тоже удивительно подходит к египетскому интерьеру. Невозможны только украшения из других эпох, а вот минимализм и мебельный модерн могут оказаться точным попаданием в стиль.
Отделку помещения часто завершает шерстяной ковер или тростниковая циновка, яркая занавесь на окно, эффектная лампа – но чаще две парные лампы и/или одинаковые ковры: принцип парности. Увлеченные египтоманы, знающие толк в неоегипетских направлениях, применяют в интерьерах декоры и украшения, способные испугать неподготовленного.
Декоры и украшения в египетском стиле
Керамика и светильники часто расставлены попарно и симметрично, но могут быть и отдельными арт-объектами. Обожженная глина и разноцветный камень: змеевик (серпентинит), порфир, жадеит и нефрит, яшма и оникс – любые камни и их имитации могут добавить красок в интерьер.
Алебастровые изделия тоже подойдут, особенно состаренные, но более других популярны аксессуары в древнеегипетском стиле: всевозможные кошки и жуки-скарабеи, папирусы, сфинксы и головы Нефертити, изображенные на панно, вырезанные и выгравированные, принтованные на обоях и портьерах – очень разные, от серьезных до юмористических. Но больше всего к настоящему египетскому интерьеру подходят именно серьезные декоры и украшения, выполненные в строгом стиле: фараоны не терпят фривольности.
Но неоегипетский стиль приемлет гораздо больше авангардных чудес: огромных скарабеев на потолке, черную мебель с позолотой, картины с изображениями древних богов на современный лад и многое другое, невозможное в этническом стиле.
Ремонт и отделка|26 октября 2021 в 07:38|
Неоегипетский стиль, Египетский стиль, Интерьер
Римская живопись « IMPERIUM ROMANUM
Главы
В отличие от римской архитектуры, римская живопись малоизвестна. Например, настенная живопись известна лишь по нескольким сохранившимся образцам и письменным сообщениям.
Станковая живопись, которая, хотя мы знаем из исходных текстов, была популярна, до наших дней не сохранилась.
Говорят, что римская живопись развивалась под сильным греческим влиянием. Некоторые искусствоведы даже склонны рассматривать их как плавное продолжение эллинского искусства; развивается просто в разных политических условиях. Это мнение обосновывается тем, что большая часть живописных украшений империи была выполнена греческими мастерами. Однако следует помнить: что если греки стремились к гармонии в искусстве; римляне ценили в нем представительность и удобство использования. Для первых искусство было высшей ценностью, а другие использовали его как средство для получения желаемого эффекта. Римские фрески были ближе к ремеслу, чем к искусству. Художественная ценность была менее важна, чем проявление принадлежности к элите древнего мира.
Первоначально римские картины изображали пейзажи в основном завоеванных городов, нарисованные на досках, которые несли во время триумфальных маршей. До 2 века до нашей эры римские дома были довольно скромно украшены. Большой скачок в развитии римского искусства последовал за завоеванием Греции и притоком большого количества произведений искусства из этой области. Римское искусство родилось во второй раз, на этот раз под влиянием побежденных.
Иллюзионистская римская фреска
Ничто из греческой живописи не было дано источниками имен великих художников, таких как Полиньо, Зевксис, Парраджос или Аполлодор, которые жили между пятым и третьим веками до нашей эры. Работы этих художников известны по литературным описаниям и косвенно по сохранившимся римским копиям. С их именами связано зарождение живописи не как цветного рисунка, как у нас в египетской и этрусской живописи, а как искусства живописи с разнообразными цветовыми эффектами, светотенью (сциграфией) и иллюзией пространства. Все это мы находим в римской живописи, которая развивалась либо путем подражания привезенным туда греческим шедеврам, либо благодаря деятельности эллинских художников, призванных работать в Италию.
Римская живопись имела египтянский стиль и с середины первого века н.э. иллюзионистский . Египетский стиль отличался декоративностью и последующим широким применением иллюзионистской живописи. Назначение этого вида отделки диктовалось практическими соображениями: пространственная роспись должна была оптически увеличить довольно узкие помещения. Впечатление пространства получалось благодаря использованию иллюзионистской живописи; создание иллюзии расширения интерьера, его «открытия» в сад или более широкий ландшафт местности. Так, «окна», через которые был виден пейзаж, были нарисованы — часто растительные гирлянды, уже известные по первому стилю, висели на переднем плане между колоннами этих «окон». В то время создавалось впечатление глубины, а создаваемые композиции имели два-три плана.
Вилла Фанния Синистора (около 40-30 гг. до н.э.) в Боскореале представила исследователям наиболее типичные образцы этого периода. В кубикулуме между расписными пилястрами художник поместил иллюзионистически изображенные картины, в основе которых, по мнению многих исследователей, лежат греческие театральные декорации. Витрувий упоминает такие типы картин: «от которых они перешли к изображениям зданий, колонн и выступов крыш. В просторных покоях, таких как экседры, из-за их протяженности стены украшали декорациями в трагическом, комическом или сатирическом стиле» (9).0023 Архитектура , VII, 5, 2).
Другой стиль этого стиля, в свою очередь, является подражанием чрезвычайно популярной станковой живописи в Греции первого века н. пейзаж, и даже мотивы египетских, мифологических животных. Этот элемент появился в пьесе вскоре после завоевания императором Октавианом Августом Северной Африки. Отсюда некоторые исследователи склонны называть весь стиль египтизирующим. Однако на самом деле это был скорее реверанс в сторону греческой живописи, целые стены были покрыты копиями с греческих мифологических оригиналов.
Их вообще любили, когда картины относились к мифологическим сценам и элементам из жизни владельца domus. Таким образом аристократ хотел показать свой статус. В латифундистских виллах предпочитали сцены охоты или отдыха на природе. Эти типы вилл позже стали образцом для раннесредневековых феодалов и их замков. Там, как и у римлян, господствовали элементы природы, охоты и библейских сцен.
Самые великолепные картины были найдены в домах городов, разрушенных извержение Везувия в 79 г. н.э. и названо Помпейским (город Помпеи). Ими покрывали стены комнат и атриумов. На них изображались пейзажи, сцены с людьми в буйной зелени, натюрморты, экзотические животные, сцены из греческой мифологии, а также картины с изображением архитектуры, открывающие зрителю иллюзию глубины.
Эти фрески являются наиболее хорошо сохранившимися образцами римской живописи. Они позволяют узнать о развитии этого направления искусства в Риме с середины II века до н. э. до 79 г.н.э. римская живопись была известна как внутреннее убранство общественных зданий, домов и рабочих мастерских. Находка в Помпеях позволила исследователям разделить римскую живопись на четыре периода. На самом деле Витрувий в своем труде «Об архитектуре» уже дал нам три этапа развития римской живописи. До 1879 года немецкий археолог Август Мау выделил три стиля, описанных римским архитектором, назвав их помпейскими, и добавил дьявола, синтезировавшего три предыдущих и появившегося после смерти Витрувия. Первоначально ученые утверждали, что проводить эту типологию после помпейского истребления не имеет смысла. Однако когда выяснилось, что фрески на более поздних римских виллах отсылают к прежним стилям и только вкусы владельца решали, как должны выглядеть картины, было признано, что типология, предложенная немецким исследователем, имеет смысл.
Первый в помпейском стиле
Портрет супружеской пары второй половины I в. н.э. (третий или четвертый стиль).
Помпейский стиль впервые использовался со 2-го века до н.э. примерно до 80 г. до н.э. в центрах, связанных с эллинской культурой. Его также называли инкрустацией или структурным стилем. Для него характерна отделка стен с использованием лепнины, имитирующей мрамор, и уложенных на стены алебастровых плит. Они ввели деление плоскости стены на три горизонтальные части. Нижний пояс имитировал пьедестал и ортостаты. Цвет плинтуса, обычно желтый, имитировал дерево. Ортостаты были выполнены в виде вертикальных панелей.
Центральная часть стены украшена плоскими панелями, расположенными горизонтально, в цветах, имитирующих разноцветный мрамор. Эта часть стены была увенчана лепным карнизом, украшенным зубцами. Самая высокая полоса представляла собой гладкую белую стену, иногда заканчивавшуюся второй полосой карниза.
Разделение дополнено введением пилястр от пола до потолка в углах интерьера и вдоль лепных стен, украшенных богатым рельефом в виде головы. Самый высокий пояс, карнизы и пилястры были выкрашены в белый цвет.
Часто считается, что стиль сначала копировал придворный образ жизни македонских правителей, а росписи отражают настенные украшения их дворцов и гробниц. Например, знаменитая мозаика из Дома фауны в Помпеях, изображающая битву при Иссосе в 333 г. до н. э. , вероятно, является копией изображения греческого художника Филоксена из Эретрии.
Секунда в помпейском стиле
Стены дома Августа в Риме. Выполнен во втором стиле.
Развился в период примерно с 90 г. до н.э. по 15 г. до н.э. В нем были представлены иллюзионистские картины с изображением пейзажных и архитектурных мотивов. Украшение должно было произвести впечатление больших пространств. На стенах — имитации классных росписей с изображением мифологических сцен, разыгрываемых на фоне пейзажа. Лепные элементы постепенно заменяются их живописными аналогами.
Разделение стен сначала похоже на помпейский стиль. Однако постепенно вносимые изменения замещают отдельные его элементы. Примерно до 70 г. до н.э. значительная часть украшений была сделана из лепнины. В цветах преобладают белый, красный, желтый, зеленый и фиолетовый. После 70 г. до н.э. вводятся иллюзии живописи, имитирующие просветы в стенах. Окрашенные колонны делят плоскость стены на три части, из которых средняя ( межколоночный] явно доминирует.
В этот период появляются первые имитации классных росписей, украшающих верхние части стен. После 50 г. до н.э. внесенные изменения усилили впечатление пространства, щелей в стенах, которые все больше напоминают театральные декорации. Наряду с садовой архитектурой вводится садовый ландшафт. В 1940-е годы были введены крупные композиции, охватывающие целые стены, как будто их не было или они были прозрачными, а видимый пейзаж просматривался на природе. После 40 г. до н.э. существует мода на постепенное закрытие открытых промежутков, все чаще используются украшения, нарисованные прямо на стенах, в виде росписей на доске.
Для стиля второго стиля были характерны пинаки украшения, которые рисовали на плитах, помещенных между колоннами, украшающими стены скене . Эти виды декораций использовались в греческих театрах.
Третий в помпейском стиле
Натюрморт – корзина с фруктами.
Также называемая восточной или египтизирующей, она длится примерно с 20 г. до н.э. по 50 г. н.э. Характерной чертой является отход от иллюзионизма. Соблюдена строгая симметрия членения стен и центральная композиция декора. Разделяемая стена бывает горизонтальной и вертикальной. Сохраняется деление на три горизонтальные части: цокольную и верхне-срединную. В разделенном вертикальном членении центральную часть стены допускается делить на три-пять плоскостей, разделенных росписью геометрических или растительных мотивов в виде гирляд, подвешенных между стройными колоннами, напоминающими основания канделябров.
На заднем фоне появляются нежные мотивы птиц или отчасти фантастических животных. Часто вводятся растения и животные, характерные для египетского ландшафта.
Разделенные таким образом плоскости украшены имитациями массива изображений. Среднее место занимает сцена с фигурным изображением. Боковые плоскости украшены одиночными мотивами в виде фигур, более мелких картинок и т. д. После 25 г. н.э. происходит некоторый возврат к иллюзии путем введения в отдельные части картин, изображающих вид открытого пространства (например, изображение просвета или окно с виднеющимся вдалеке архитектурным пейзажем).
Четвертый в помпейском стиле
Дама из богатой семьи.
Продолжительность 50 – 100 г. н.э. Особую популярность приобрел во время правления Нерона и в Помпеях во время работ, связанных с реконструкцией города после землетрясения (после 63 г. н.э.).
Этот стиль также использовался в Риме. В 64 году н.э. началось строительство Золотого Дома Нерона , стены которого были покрыты картинами с изображением огромных просветов, в которых были видны дальнейшие комнаты и покои с открытыми дверями и окнами, лоджии и балконы. Изображенная архитектура была нереальной (отсюда и название стиля, также известного как стиль фантастической архитектуры), здания и их фрагменты не соответствовали требованиям перспективы и принципам современного строительства. Цель этих нагромождений картин заключалась в том, чтобы создать иллюзию глубины.
Развитие четвертого стиля разделено на две фазы — Клавдия и Флавиана . Сначала произошло исчезновение стены, закрывающей интерьер, – вся стена была расписана просветами, открытыми дверями и окнами, за которыми был сельский пейзаж, с видимыми издалека постройками (такой вид процедуры называется так называемой прозрачная стена). На этом этапе также исчезает классическое тройное членение поверхности средней полосы стены.
В фазе Флавиев виден возврат ко второму стилю – возвращается центральная композиционная система, копии станковых картин с мифологическими сценами, сценические картины. Также отсутствует так называемая прозрачная стена.
В стиле преобладают теплые тона, особенно красный, коричневый и желтый. В дополнение к иллюзионистским картинам снова были копии мифологических картин массивных картин.
Независимо от основных направлений живописных стилей развивались и украшения на разные темы. В столовых часто располагались картины с изображением натюрмортов, состоящих из рыб, птиц, фруктов и стеклянных сосудов с водой. Встречаются и портреты домовладельцев, скорее всего, написанные прямо на стенах.
Помпейский художник с раскрашенной статуей.
Живопись во времена империи практически неизвестна. Есть несколько примеров фресок 2 века н.э., сделанных в гробницах, и несколько примеров украшений жилых интерьеров 3 века н. э., найденных в Риме и Остии. На этом основании можно сделать вывод, что в этот период преобладали два стиля: иллюзионистский и позднеримский. Первый — это изображения персонажей на фоне пейзажных или архитектурных элементов. Второй стиль представлен фигурной росписью на нейтральном фоне в коробках, обрамленных красными полосами.
Ученые считают, что во всей Римской империи существовали определенные шаблоны, по которым владельцы собственности выбирали подходящие картины и мозаичные украшения. Стиль и тема были практически одинаковыми, но в зависимости от региона использовались разные материалы.
Кроме того, некоторые исследователи считают, что некоторым картинам отдавалось предпочтение в разных частях domus или зданиях. Например, эротические сцены и обнаженные женщины должны были появляться особенно в спальнях или лупанариях. Однако это не точно, потому что римские комнаты не всегда имели постоянные функции. Также стоит помнить, что дома сменили владельцев или просто нуждались в ремонте. Это стало причиной, например, того, что в 2005 году исследователи раскопали виллу семьи Валериусов на Целийском холме в Риме. Было обнаружено, что некоторые помещения в здании были окрашены после того, как здание было возведено в I веке до нашей эры, а затем во II веке нашей эры украшение было изменено, чтобы снова перекрасить.
Следует подчеркнуть, что римская живопись практически анонимна. Подрядчиком картин обычно был греческий раб, имевший репутацию ремесленника, а не художника. До наших дней сохранилось несколько имен, например. Студий во время правления Октавиана Августа или Фамул во время правления Нерона. Она была окрашена таким образом, что грунтовка была сделана помощником, чтобы затем мастер мог приступить к надлежащей работе.
Натюрморт в помпейском стиле II. Картина из дома Юлии Феликс.
Искусствоведы утверждают, что римляне в поздний период не разучились рисовать пропорционально. Вместе с распространением христианства стала господствовать просто новая эстетика и иная форма общения. Природа больше не отображалась на карте, и основное внимание уделялось символизму и попытке показать внутренний свет.
Историческая архитектура HiSoUR История культуры
Историзм, также называемый романтизмом, развившийся в основном в XIX и начале XX веков, сосредоточил все свои усилия на восстановлении архитектуры прошлого. Это должно было имитировать архитектурные стили других эпох, включая некоторые культурные особенности того века, в то время как эклектичная архитектура была посвящена смешению стилей для создания чего-то нового.
Историзм – направление в мировой архитектуре XIX века, основанное на подражании стилю прошлых эпох. Непреднамеренное и эклектичное направление, заключающееся в отказе от стремления создать стиль, соответствующий современным историческим и социальным условиям, в пользу подражания прошлым великим стилям в искусстве и архитектуре.
Первоначально он основывался на противопоставлении классицизма и интереса к прошлому, изученному научным путем. Он совпал с романтикой в искусстве и литературе. Оно возникло из романтической тоски по тому, что далеко, за историей и раскованной природой. Романтически настроенный человек бежал от общества, искал одиночества, личного, родного и народного, искал бесформенности и свободы – в противовес профессиональному и социальному принуждению, простоте, граничащей с примитивизмом. Он был против рационализма, холодности и надменности, свойственных классицизму. За всем этим стояла и неуверенность в настоящем.
Можно выделить несколько течений, таких как неовизантийское, неомудехарское и необарокко, хотя наибольшее распространение получило неоготическое течение, практиковавшееся на Британских островах, основанное, как следует из названия, на новая воскресшая готика. Среди зданий, выполненных в этом стиле, выделяется Британский парламент, построенный по проекту А. В. Пугина (1812—1852) и Чарльза Бэрри (1795—1860). Также важными были некоторые восточные варианты, такие как неоготико-индийский, примером которого является Королевский павильон Брайтона Джона Нэша (1752-1835). В Испании выделялось течение неомудехар как выражение национального стиля.
В иберо-американском искусстве конца девятнадцатого века, благодаря вынесенному на сцену романтизма национализму, мы видим стремление найти «национальную идентичность». Что же касается архитектуры, то это нашло свое отражение благодаря историзму. Историческая архитектура в Иберо-Америке пыталась подражать доиспанской архитектуре и переосмысливать ее в соответствии с современными канонами того времени.
История
Истоки историзма
Архитектура и искусство до восемнадцатого века были интерпретацией особого общественного порядка, основанного на наследственном праве, производящего впечатление вечной длительности порядка, поддерживаемого властью, авторитетом, церковью, элитой общества. Этот порядок резко рухнул во время Французской революции. Провозглашенные и реализованные права человека, превращение подданных в граждан разрушили многовековую традицию. Преемственность длительности была прервана. «Ожерелье жемчужного ожерелья было сломано, теперь была горсть жемчужин, полных жемчужин, которыми можно было свободно играть». Прошлое стало хранилищем, из которого вы могли свободно черпать образцы для подражания.
Интерес к прошлому в архитектуре совпал с развитием исторической науки. Это результат исследований прошлого. С начала 19 века велись интенсивные работы по истории архитектуры. Люди стали описывать, различать и датировать постройки — сначала средневековые, потом более поздние. Основы исследований романизма и готики были созданы де Жервилем, Томасом Рикманом, Ксаверием Краусом и особенно Эженом Виолле-ле-Дюк. Архитекторы сопротивлялись этому поиску, возрождая неостиль по всему миру (неороманство, неоготика, неоренессанс, нео-барокко).
Этапы развития
В истории архитектуры историзма можно выделить три этапа развития: романтизм (примерно до 1870 г.), строгий историзм (около 1870-1890 гг.) и поздний историзм (после 1890 г.).
Романтический романтизм постепенно вытеснил классицизм. Предпочтительными стилями были неоготика и аркадный стиль, примерно с 1850 года замененный неоренессансом, однако элементы, которые не проявлялись в конкретных стилях, были связаны, так что творчество означало не точное подражание отдельным стилям, а их субъективная интерпретация. . Были и неевропейские мотивы (см. неомасонский стиль).
Строгий историзм основывался на научных исследованиях девятнадцатого века. Разработано комбинирование элементов, допустимых в заданном стиле, отказ от их вольной интерпретации. Были составлены каноны описательного неостиля, использованы шаблоны. Неоренессанс стал предпочтительным стилем.
Поздний историзм отходит от неоренессанса и ориентируется на необарокко. Строгие положения предыдущей фазы сменяются очень вольной трактовкой декоративных элементов, уже не строго организованных по оси. Есть многочисленные эркеры, выступы, купола, а также балконы. Можно наблюдать стремление к гламуру и монументализму. Некоторые декоративные элементы, например цветочные, уже указывают на зарождающийся модерн.
Периодизация
Андрей Владимирович Иконников понимает понятие историзма в самом широком смысле как направление, восходящее к эпохе Возрождения и определяемое «обращением к культуре прошлого… для решения задач современности». Напротив, Евгения Ивановна Кириченко считала историзм одной из стадий развития эклектики и выделяла следующие периоды:
1800-1810-е годы: зарождение эклектики,
конец 1820-х-1840-х годов: зрелость ее романтической фазы ,
1850-1860-е: его угасание и развитие историзма,
1870-1890-е: полный расцвет историзма.
По мнению австрийского искусствоведа Ренате Вагнер-Ригер, путь развития историзма выглядит следующим образом:
Романтический историзм (переход от 1770-х к изменившимся 1840-1870-м годам) характеризуется плавным отделением от классицизма . К ним относятся неоготика и неоренессанс с привнесенными «чужими» элементами, отчего это не простое копирование исторических стилей, а субъективная интерпретация. Сочетаются элементы незападноевропейских стилей (неомавританский или византийский).
Чистый историзм (1870-1890), напротив, копирует формы прошлого и пытается по ним комбинировать. Отвергается субъективизм романтического историзма, делается попытка найти объективно правильный стиль. Предпочтительной отправной точкой является архитектура эпохи Возрождения (неоренессанс).
Поздний историзм (после 1890 г.) ориентируется на эпоху возрождения через барокко (необарокко). Предпочтение отдается свободному пониманию и размещению элементов декора: эркеров, ризалитов, куполов и витиеватых балконов, растительных орнаментов.
Распространение историзма в архитектуре связано с развитием капитализма в Европе и подъемом буржуазии, из-за чего направление неофициально именуется стилем хрюканья.
Закат историзма начинается с модерна в 1895 году, хотя орнаменты все еще используются, но без привязки к истории. То же самое произошло после окончания Первой мировой войны экспрессионизма в архитектуре. Поскольку архитектурная реформа после 1900 г. (особенно с 19 в.10), распространяется наличный, несущественный функционализм и конструктивизм, господствовавшие в 1920-е годы. Они появились в ответ на стремление общества дистанцироваться от прошлого и развиваться в соответствии с новыми технологическими и мировоззренческими тенденциями. Исторически так сложилось, что в странах, пострадавших в войне, историзм перестает существовать, а в США или странах, не участвовавших в войне, например, Испании, наряду с новыми стилями, историзм просуществовал до 19 века.50-е годы.
Historicist architectural styles
International distribution
Neo-Baroque
Bozar
Neo-Byzantine style
Egyptizing style
Neo-Gothic
Neo-Greek
Neo-Mauritanian style
Neoclassicism
Neo-historicism
Neorenaissance
Neo-romantic style
Second Ампир
Шале / Шале
Народная архитектура
Российская империя и СССР
Смотрите также: Эклектика в России
Неовизантийский стиль
Псевдорусский стиль
Сталинская архитектура
Сталинский ампир
Британский ампир
Стиль Адама
Бристольский византизм
Столярная готика (Канада)
Эдвардианское барокко
Индо-сарацинский стиль (Индия)
Якобинский стиль
Стиль королевы Анны
Стиль Регентства1 Стиль 9007 Шотландские бароны
Стиль Неотюдор / Черно-белая архитектура
Франция
Справочник Стиль (фр.