Классицизм в искусстве 18 века

Главной
чертой архитектуры классицизма было
обращение к формам античного
зодчества как к эталону гармонии,
простоты, строгости, логической ясности
и монументальности. Архитектуре
классицизма в целом присуща регулярность
планировки и четкость объемной формы.
Основой архитектурного языка классицизма
стал ордер,
в пропорциях и формах близкий к античности.
Для классицизма свойственны
симметрично-осевые
композиции, сдержанность декоративного
убранства, регулярная система планировки
городов.

Архитектурный
язык классицизма был сформулирован на
исходе эпохи Возрождения великим
венецианским мастером Палладио
и его последователем Скамоцци.
Принципы античного храмового зодчества
венецианцы абсолютизировали настолько,
что применяли их даже при строительстве
таких частных особняков, как вилла
Капра. Иниго
Джонс перенёс палладианство на север,
в Англию, где местные архитекторы-палладианцы
с разной степенью верности следовали
заветам Палладио вплоть до середины
XVIII века.

Андреа
Палладио.
Вилла
Ротонда близ Виченцы

К
тому времени пресыщение «взбитыми
сливками» позднегобарокко
и рококо
стало накапливаться и у интеллектуалов
континентальной Европы. Рождённое
римскими зодчими Бернини
и Борромини
барокко истончилось в рококо,
преимущественно камерный стиль с
акцентом на отделке интерьеров и
декоративно-прикладном искусстве. Для
решения крупных градостроительных
задач эта эстетика была малоприменима.
Уже при Людовике
XV (1715-74) в Париже
строятся градостроительные ансамбли
в «древнеримском» вкусе, такие как
площадь
Согласия (арх. Жак-Анж
Габриэль) и церковь Сен-Сюльпис,
а при Людовике
XVI (1774-92) подобный «благородный лаконизм»
становится уже основным архитектурным
направлением.

Наиболее
значительные интерьеры в стиле классицизма
были разработаны шотландцем Робертом
Адамом, вернувшимся на родину из Рима
в 1758 году. Огромное впечатление на него
произвели как археологические изыскания
итальянских учёных, так и архитектурные
фантазии Пиранези.
В трактовке
Адама классицизм представал стилем,
по изысканности интерьеров едва ли
уступавшим рококо, что снискало ему
популярность не только у демократически
настроенных кругов общества, но и среди
аристократии. Подобно своим французским
коллегам, Адам проповедовал полный
отказ от деталей, лишённых конструктивной
функции.

Фрагмент
идеального города Арк-э-Сенан
(арх. Леду).

Француз
Жак-Жермен
Суффло при строительстве в Париже
церкви Сен-Женевьев
продемонстрировал способность классицизма
организовывать обширные городские
пространства. Массивное величие его
проектов предвещало мегаломанию
наполеоновского ампира
и позднего классицизма. В России в одном
направлении с Суффло двигался Баженов.
Французы Клод-Никола
Леду и Этьен-Луи
Булле пошли даже дальше в сторону
разработки радикального визионёрского
стиля с уклоном в абстрактную геометризацию
форм. В революционной Франции аскетический
гражданский пафос их проектов был мало
востребован; в полной мере новаторство
Леду оценили только модернисты XX века.

Архитекторы
наполеоновской
Франции черпали вдохновение в
величественных образах воинской славы,
оставленных имперским
Римом, — таких, как триумфальная
арка Септимия Севера и колонна
Траяна. По приказу Наполеона
эти образы были перенесены в Париж в
виде триумфальной арки Каррузель
и Вандомской
колонны. Применительно к памятникам
воинского величия эпохи наполеоновских
войн используется термин «имперский
стиль» — ампир.
В России незаурядными мастерами ампира
показали себя Карл
Росси, Андрей
Воронихин и Андреян
Захаров. В Британии ампиру соответствует
т. н. «регентский
стиль» (крупнейший представитель —
Джон
Нэш).

Вальхалла —
повторение афинского Парфенона
баварским зодчим Лео
фон Кленце.

Эстетика
классицизма благоприятствовала
масштабным градостроительным проектам
и приводила к упорядочиванию городской
застройки в масштабах целых городов. В
России практически все губернские и
многие уездные города были перепланированы
в соответствии с принципами
классицистического рационализма. В
подлинные музеи классицизма под открытым
небом превратились такие города, как
Санкт-Петербург,
Хельсинки,
Варшава,
Дублин,
Эдинбург
и ряд других. На всём пространстве от
Минусинска
до Филадельфии
господствовал единый архитектурный
язык, восходящий к Палладио. Рядовая
застройка осуществлялась в соответствии
с альбомами типовых проектов.

В
период, последовавший за наполеоновскими
войнами, классицизму приходилось
уживаться с романтически
окрашенной эклектикой, в частности
с возвращением интереса к средневековью
и модой на архитектурную неоготику.
В связи с открытиями Шампольона
набирают популярность египетские
мотивы. Интерес к древнеримской
архитектуре сменяется пиететом перед
всем древнегреческим («неогрек»),
особенно ярко проявившимся в Германии
и в США. Немецкие архитекторы Лео
фон Кленце и Карл
Фридрих Шинкель застраивают,
соответственно, Мюнхен
и Берлин
грандиозными музейными и прочими
общественными зданиями в духе Парфенона.
Во Франции чистота классицизма
разбавляется свободными заимствованиями
из архитектурного репертуара ренессанса
и барокко.

суть классицизма, особенности, история возникновения и развития. Примеры дизайна интерьера в классическом стиле

• Особенности классицизма в интерьере
• История классицизма в интерьере

Классицизм (от латинского classicus — «образцовый») — стиль дизайна интерьера, основанный на идеалах античного искусства, простоте и строгости форм, симметричности пропорций и сдержанности декоративного оформления. Классический стиль в интерьере широко использовался при обустройстве дворцов правителей и домов знати на протяжении XVII-XIX веков в большинстве европейских стран.

Классицизм относится к числу исторических стилей интерьера, которые оказали огромное влияние на формирование самых разных современных направлений дизайна. А многие классические правила оформления помещений до сих пор применяются специалистами в сфере дизайна при разработке уникальных проектов обустройства жилья для заказчиков.

Особенности классицизма в интерьере

Классицизм легко можно узнать не только по величественности и утонченности обстановки. У этого стиля есть также и другие характерные черты, которые привлекают людей с хорошим вкусом.

К главным особенностям классицизма в интерьере можно отнести:

• Строгую симметрию линий и гармоничность основных пропорций оформления пространства.
• Преобладание благородных оттенков в отделке стен и потолков (белого, зеленого, голубого, пурпурного и розового цветов).
• Сдержанное использование лепнины для украшения ровных поверхностей, а также линий стыка стен и потолка.
• Высокие окна и широкие двери правильной прямоугольной формы.
• Драпировку оконных проемов массивными шторами.
• Полы с красивым строгим орнаментом, изготовленные из наборного штучного паркета.
• Большое количество дорогого натурального текстиля, в том числе используемого для драпировки стен.
• Массивные хрустальные люстры и настенные светильники, предназначенные для яркого освещения комнаты в любую погоду.
• Респектабельная мебель из элитных пород древесины, украшенная резьбой и инкрустацией.
• Тщательно подобранный строгий декор (картины и зеркала в роскошных рамах, фарфоровая посуда и вазы, книги, статуэтки).

В отличие от барокко и рококо, в классическом стиле интерьера предметы мебели имеют прямые, а не сложные изогнутые очертания, в том числе и ножки у столов и стульев. Колонны, позаимствованные из античности, выполняют сугубо декоративную функцию и не несут весовой нагрузки. Очень часто центральным элементом обстановки в помещении является камин, облицованный натуральным камнем.

История классицизма в интерьере

История классицизма в интерьере берет свое начало во Франции XVII века в период правления Людовика XIV. В этом стиле по заказу всемогущего монарха оформлены все помещения роскошного Версальского дворца. Французский самодержец в начале своего правления был яростным сторонником классицизма в интерьере, но уже с 1660 годов начал также испытывать симпатию к новому итальянскому направлению — барокко. Именно из сочетания идей классицизма и барокко во второй половине XVII века сформировался роскошный стиль Людовика XIV.

Огромную роль в популяризации идей классицизма во всех сферах искусства сыграли два великих французских художника той эпохи — Николя Пуссен (Nicolas Poussin) и Клод Лоррен (Claude Lorrain). Они были очарованы античными красотами Рима и часто изображали архитектуру Вечного города на своих картинах. Во многом благодаря их творчеству во французском высшем обществе быстро сформировался спрос не только на классическую живопись, но и на интерьер в том же стиле.

После смерти Людовика XIV интерес к классицизму быстро угас, чтобы вспыхнуть с новой силой уже к концу XVIII века. Многие классические каноны легли в основу ампира — императорского французского стиля эпохи Наполеона.

В Англии античные строгие мотивы и идеи классицизма нашли свое продолжение в викторианском стиле, господствовавшем до конца XIX века. Классицизм также пользовался большой популярностью во многих других странах Европы (России, Германии, Австрии).

Вторая половина XIX века в дизайне интерьера ознаменовалась появлением неоклассицизма, который гармонично объединил в себе черты античности и научные достижения индустриального времени. Этот стиль наряду с эклектикой занимал лидирующие позиции в оформлении помещений вплоть до начала ХХ века.

В наши дни классицизм, как и большинство других исторических стилей дизайна, не пользуется большой популярностью. Сфера его применения в основном ограничивается гостиничным бизнесом. Классический стиль идеально подходит для оформления роскошных номеров пятизвездочных отелей, дворцов современных богачей и представителей высшего аристократического общества. Но в обычной городской квартире величественная роскошная обстановка все же будет смотреться нелепо.

На портале Very Important Lot каждый посетитель может принять участие в арт-аукционах, приобрести предметы антиквариата или работы современных художников для украшения интерьера своего дома.

• Добавить фото

Вы можете отправить одновременно до 4 фотографий

Больше новостей

Тинторетто — художник, творивший не ради денег: биография и лучшие картины

Кто купил «Юдифь и Олоферна»?

Китайский фарфор: история и тайны

Акиане Крамарик: недетский художественный дар в 6 лет

Картина Павла Федотова «Разборчивая невеста» — комичность и драматизм реалистичной бытовой сцены

«Синий всадник» — высшая точка немецкого экспрессионизма

Дэвид Хокни — самый влиятельный и дерзкий художник нашего времени

Эрнст Барлах — яркий немецкий художник, люто ненавидевший войну

Джон Флаксман — блестящий скульптор и непревзойденный иллюстратор в истории английского искусства

Аукцион Sotheby´s «Будь моим: алмазные драгоценности» — идеальный вариант для покупки элитных ювелирных изделий

Западная архитектура | История, стили, примеры и факты

Джеймс Пейн и Роберт Адам: Кедлстон Холл

Просмотреть все медиа

Связанные темы:

заказ
Классическая архитектура
Архитектура эпохи Возрождения
живописный
Неоклассическая архитектура

Просмотреть весь связанный контент →

Западная архитектура , история западной архитектуры от доисторических культур Средиземноморья до 21 века.

История западной архитектуры отмечена рядом новых решений структурных проблем. В период от зарождения цивилизации до древнегреческой культуры методы строительства прогрессировали от односкатной крыши и простых ферм к вертикальным стойкам или колоннам, поддерживающим горизонтальные балки, или перемычки ( см. стоечно-перемычная система). Греческая архитектура также формализовала многие структурные и декоративные элементы в три классических ордера — ионический, дорический и коринфский, — которые в большей или меньшей степени повлияли на архитектуру с того времени. Римляне эксплуатировали арку, свод и купол и шире использовали несущую каменную стену. В период позднего средневековья постепенно появились стрельчатые арочные, ребристые и опорные системы. К этому моменту многие проблемы строительства кирпичной и каменной кладки были решены, и, помимо декоративных достижений, до промышленной революции было достигнуто мало инноваций. Не раньше 1920-го века, с появлением чугунных и стальных конструкций, наступила новая архитектурная эпоха, и стали возможными более высокие, широкие и легкие здания. С развитием технологий 20-го века новые структурные методы, такие как консольные, получили более широкое распространение. На рубеже 21 века компьютеры еще больше расширили возможности архитекторов по осмыслению и созданию новых форм.

Для целей данной статьи «западная архитектура» означает архитектуру в Европе, а также в регионах, которые разделяют европейские культурные традиции. Например, в этой статье рассматриваются ранние архитектурные традиции в таких областях, как Египет, Сирия, Малая Азия, Северная Африка и Иерусалим, которые, начиная с эллинистического и римского периодов и продолжаясь в период Византийской империи, были тесно связаны с архитектурой. развития в Европе. К концу 15 века европейские архитектурные стили распространились на Америку. В этой статье также рассматривается североамериканская архитектура; для обработки латиноамериканской архитектуры, см. Латиноамериканская архитектура. (Архитектурные традиции коренных американцев, как правило, не подвергались влиянию европейцев; об этой истории см. Искусство коренных американцев.)

Технические и теоретические аспекты среды исследуются в другом месте; см. архитектуру .

Уильям ФлемингДэвид Джон УоткинРедакторы Британской энциклопедии

Европейские культуры эпохи металла

Эгейское море и восточное Средиземноморье

Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между массивами суши Ближнего Востока и Европы. Экспансия цивилизаций Западной Азии и Египта на запад началась около 3000 г. до н. э. и привела к появлению поселений на Крите, Кикладах и материковой Греции. Принципиальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, заключается в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены медными, а позднее и бронзовыми. Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до н.

Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники адаптировались для формирования оригинальных местных стилей. В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Минойский Крит

Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как Кносс, Фест, Айя-Триада, Маллия и Тилисос. Чрезвычайно важный Дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20-го века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого является блестящая демонстрация строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н. э.) и продолжавшийся до нашествия ахейцев в XII в. Однако дворец, по сути, является сооружением двух последних среднеминойских периодов (1800–1580 гг. до н. э.). По своей монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких построек, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северной части, обращенной к морю, большой портик из 12 пилястр давал доступ к центральному двору. В этом конце также расположена большая театральная площадь, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений. Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые помещения, искусно снабженные сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и складскими помещениями. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим с севера на юг. За этим коридором, вдоль западной стороны, был обнаружен ряд длинных узких кладовых, содержащих большое количество пифоев, или сосудов для хранения масла в человеческий рост. На другой стороне коридора, обращенной к центральному двору, расположены парадные залы, в том числе тронный зал с уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с изображением грифонов. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет поступал сверху с помощью хитроумной системы световых колодцев, а несколько портиков с колоннадами обеспечивали вентиляцию в жаркое критское лето.

Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллия, Айя-Триада, Тилисос) примерно совпадает с развитием Кносса. Каждый из них примечателен, а Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским царям построить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, бросается в глаза отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов. Поскольку критские богослужения, по-видимому, проводились в основном под открытым небом, здесь нет настоящих храмов, как на Ближнем Востоке. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон являются характеристиками, которые, по-видимому, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Вкус к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также был унаследован от более древних цивилизаций на востоке. Колонна впервые появилась в Европе в критском дворце, где ее часто использовали отдельно для разделения входа.

Развитие погребальной архитектуры на Крите происходит от древних камерных оссуариев раннеминойского периода (2750–2000 гг. конец среднеминойского периода.

На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н. э. разрушило дворцы и привело к отстранению власти от микенской Греции. Архитектурные остатки на Крите сооружений догреческого дизайна, но построенных после этой катастрофы, очень редки. Несколько загородных святынь относятся к этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может быть датировано 700 г. до н.э. Дверной проем этого храма имеет барельефы на архитектурных элементах. Отверстие над перемычкой обрамлено сидящими фигурами, а сама перемычка на нижней стороне вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посреди этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.

Неоклассическое искусство восемнадцатого века Эдгара Питерса Брауна

Эдгара Петерса Боурона и которые глубоко повлияли на изобразительное искусство, декоративно-прикладное искусство и архитектуру. Художники и мастера черпали вдохновение в порядке, ясности и разумности искусства Древней Греции и Рима и стремились воссоздать дух и формы классического мира. Из каждой из различных дисциплин пришло что-то одновременно новое и вдохновленное классикой.

Неоклассицизм черпал свое главное вдохновение из Италии, где он питался художественными традициями Древнего Рима и раскопками, начатыми в Геркулануме в 1738 году, а несколько лет спустя в Пестуме и Помпеях. Примером современного интереса к изучению древнего наследия Европы является картина Джованни Паоло Панини  Интерьер воображаемой картинной галереи с видами Древнего Рима  (рис. 1). Интерес к древности достиг своего пика в восемнадцатом веке в работах Роберта Адама, Помпео Батони, Эдме Бушардона, Антонио Кановы, Уильяма Чемберса, Жака-Луи Давида, Гэвина Гамильтона, Антона Рафаэля Менгса, Джованни Баттисты Пиранези, Юбера Робера и Джозайя Веджвуд. Работы этих и других художников представлены на выставке  Возрождение античности: неоклассическое искусство восемнадцатого века, , организовано Музеем изящных искусств в Хьюстоне совместно с Лувром в Париже, где в декабре 2010 года открылась соответствующая выставка. Хьюстон является единственным пунктом назначения в США для этого путешествия. выставка из 135 картин, рисунков, гравюр, скульптур, керамики и мебели, датируемых 1720–1790-ми годами.

Рис. 1: Джованни Паоло Панини, итальянец (римлянин), 1691–1765, Интерьер воображаемой картинной галереи с видами Древнего Рима, 1757. Холст, масло, 67-3/4 x 90 -1/2 дюйма. Предоставлено Метрополитен-музеем, Фонд Гвинн Эндрюс, 1952 г.

Великолепный воображаемый интерьер Панини, увешанный картинами памятников «древнего» Рима и сопутствующим полотном с галереей картин «современного» Рима, также в Метрополитен-музее, были заказаны в 1757 году французским послом в Риме Этьеном-Франсуа де Шуазель-Стенвиль (1719–1785), будущий герцог де Шуазель. Здесь Панини каталогизировал очевидные достопримечательности Древнего Рима в виде отдельных полотен в рамах, выставленных как в настоящей картинной галерее. Видно большинство древних памятников в Риме и его окрестностях, знакомых художникам и туристам восемнадцатого века, посещающим город, в том числе интерьер и экстерьер Пантеона, Колизея и храмов Веспасиана. Не менее интересен выбор старинных мраморов, расположенных по всей композиции, некоторые из которых были одними из самых почитаемых произведений искусства неоклассических художников и скульпторов.

Рис. 2: Жозеф-Мари Вьен, Франция, 1716–1809, Гречанка в бане, 1767. Холст, масло 1/3. /2 дюйма. Предоставлено, Museo de Arte de Ponce, The Luis A. Ferré Foundation, Inc., Пуэрто-Рико.

Стиль Жозефа-Мари Вьен в стиле грека появился в серии одно-, двух- и трехфигурных композиций в конце 1750-х и начале 1760-х годов с изображением хорошеньких молодых женщин в «антикварной» обстановке. которые передают простой неоклассический «взгляд». В этих небольших кабинетных картинах он установил свое мастерство с помощью живописной формулы, которая закрепила за ним положение первого французского художника восемнадцатого века, принявшего идеал неоклассицизма. Греческая дева в бане была заказана Этьеном-Франсуа де Шуазель-Стенвиль, герцогом де Шуазёлем (1719–1785), и к 1770 году висела в спальне его особняка на Монмартре в Париже вместе с двумя полуэротическими картины Жана-Батиста Греза и Жертвоприношение Приапу Жана Рау. Чистые, холодные цвета Виена и фарфоровая техника; целомудренные, идеализированные молодые женщины; «античная» обстановка; и скопление псевдоантичных атрибутов — все это беззастенчиво классическое, пронизанное тонкой, хотя и сентиментальной, поэтичностью.

1750–70. Мрамор, 28 х 21-1/2 х 13 дюймов. С разрешения музея Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес.

Бюсты Каракаллы были популярны в восемнадцатом веке, особенно среди английских коллекционеров. Было множество древних прототипов, и с тех пор Микеланджело адаптировал яростный жест Каракаллы, поворачивающего голову вбок, для своих Бюст Брута (1540-е годы; Национальный музей Барджелло, Флоренция), старинные бюсты императора служили моделями для портретной живописи на протяжении восемнадцатого века. Марк Аврелий Антонин (188–217 гг. Н. Э.), Более известный как Каракалла, запомнился массовыми убийствами и гонениями, которые он санкционировал по всей империи. Официальный портрет Каракаллы соответствует описаниям его внешности и характера. Чертами античных прототипов, которые, казалось, будоражили воображение восемнадцатого века, были коротко остриженные волосы императора, кираса и тога, сильный поворот головы, нахмуренный лоб, напряженные черты лица и угрожающе-драчливый взгляд. Трудно представить себе более яркое воспоминание о древней истории, но эстетическая привлекательность мрамора Бартоломео Кавачеппи столь же очевидна, а бюст представляет собой шедевр скульпторского искусства с его искусной сверлильной работой в античной манере, особенно в обращении с бородой Каракаллы. и волосы.

Рис. 4: Cristoph Unterberger, Auvian, 1732–1798, исследование для «Композиция с Ignadi и GroteS20 и GROSUDES и GROTESES и GROSUDES и GROSUDES. 1776. Этюд для «Композиция с Игнуди и гротесками и аллегория скульптуры», ок. 1776. Холст, масло, каждый 43-1/2 x 12 дюймов. Предоставлено Художественным музеем Вустера, Массачусетс, Фонд Элизы С. Пейн памяти Уильяма и Фрэнсис Т.С. Пейн.

Кристоф Унтербергер был одним из первых римских художников восемнадцатого века, изучавших декоративную живопись эпохи Возрождения, и стал ведущим представителем этого стиля живописи в городе. Он применил эти знания при оформлении комнаты в Музее Пио-Клементино в Ватиканском дворце, известной сегодня как Вестиболо Квадрато. Эти прекрасно написанные аллегории живописи и скульптуры послужили эскизами для его проектов и состоят из знакомых компонентов эпохи Возрождения 9.0019 grotteschi (гротески) — вид причудливой настенной росписи, характеризующийся использованием взаимосвязанных цветочных мотивов, фигур животных и людей, масок. Первоначально этот стиль был получен из орнамента, найденного в некоторых римских зданиях, который в шестнадцатом веке распространился на большинство стран Европы. Пышный листовой и цветочный декор верхних зон каждой из композиций Унтербергера дополнен дополнительными классическими мотивами и элементами, такими как вазы, треножники, гротескные маски, медальоны, гирлянды.

Луи Гофье, француз, 1761–1801, Клеопатра и Октавиан, 1787–1788. Холст, масло, 33 х 44-1/8 дюйма. Предоставлено Национальной галереей Шотландии, Эдинбург. Приобретено с помощью Художественного фонда (1991).

Эта небольшая, красочная и тщательно отполированная картина представляет собой ранний пример египтомании, охватившей Францию ​​и Великобританию в конце восемнадцатого и начале девятнадцатого веков. Сюжет восходит к греческому историку Плутарху (ок. 46–120 гг. н. э.), чьи Lives был популяризирован в восемнадцатом веке благодаря книге Чарльза Роллина « Histoire Romaine » (Париж, 1730–1738). Октавиан после поражения Марка Антония в битве при Акциуме в 31 г. до н.э. посетил египетскую царицу Клеопатру. Когда ей не удалось убедить его в своей невиновности и раскаянии в той роли, которую она сыграла в противодействии ему, она обратила его внимание на свои прекрасные отношения с его двоюродным дедом Юлием Цезарем, отраженные в его письмах и портретах, выставленных в ее комнате.

«Египтизированные» мотивы можно увидеть в живописи Гофье в статуях в нишах на задней стене покоев Клеопатры и ее кушетке, украшенной иероглифами, взятыми с обелиска Тутмоса III в Латеране, и фигуре коленопреклоненного фараона . Английский дизайнер Томас Хоуп (1769–1831), создавший наиболее совершенный интерьер эпохи египетского Возрождения в своем доме в Лондоне, точно скопировал трон с египетскими крылатыми сфинксами, на котором восседает Октавиан, для оформления четырех сидений в своем так называемом «Египетская» или «Черная комната».

Жак-Луи Давид, Франция, 1748–1825 гг., Клятва Горация, 1786. Холст, масло, 51-1/4 x 65-5/5/8 дюймов. (130,2 x 166,2 см.) Предоставлено Художественным музеем Толедо, приобретено на средства Фонда Либби, дар Эдварда Драммонда Либби, 1950 г.

Неоклассицизм с его героическими сюжетами, размеренными композициями, прочно построенными формами, подчеркнутым линеаризмом пленил воображение публики, уставшей от легкомыслия рококо. Его огромное полотно, изображающее Клятва Горация (1784; Лувр, Париж), впервые показанная в Риме, где она была написана, а затем в Париже, где она была включена в Салон 1785 года, оказала огромное влияние на французскую историческую живопись с его радикальное содержание и строгий стиль. В этом знаменитом произведении, которое было так тесно связано с радикальными политическими идеалами, пропагандируемыми во время Французской революции, Давид изобразил решающий эпизод, описанный в «Истории Рима» Ливия , , который был типичен для тем патриотического пыла и нравственно возвышающих тем, которые требовались. от художников философами эпохи Просвещения. Эта уменьшенная версия монументальной картины Давида была создана для известного коллекционера французского искусства Жозефа Франсуа де Поля, графа де Водрёя (1740–1817) в 1786 году9.0073

Жан-Демостен Дюгурк, француз, 1749–1825 гг., Настенная отделка и мебель в этрусском стиле, ок. 1790. Акварель, перо, черная тушь, гуашь, 17-1/2 x 15-1/8 дюйма. Courtsy, Музей декоративного искусства, Париж.

Дизайн интерьера и декоративно-прикладное искусство сыграли важную роль в распространении неоклассицизма по всей Европе в конце восемнадцатого века, но к концу века «неоклассицизм» отличался поразительной неоднородностью. Эклектичные архитекторы и дизайнеры, такие как Дюгурк, разрабатывали проекты зданий и их интерьеров в готическом, турецком, китайском, египетском и этрусском стилях. Этот прекрасно законченный рисунок представляет собой настенный декор в так называемом этрусском стиле, восходящий к простому линейному стилю, характерному для греческой вазовой росписи, а также к настенным росписям Геркуланума и Помпеи. Узкая панель в верхней части стены изображает группу мужчин и женщин в греческих костюмах, танцующих по пространству в виде фриза, напоминающего краснофигурные греческие вазы классического периода. Античные элементы повторяются ниже на спинках дивана и кресел, которые украшены ромбовидными и ромбовидными черными панелями с греческими танцовщицами.

Стол для пирса английский, 1770 или новее. Бук и ель, позолота, 357/8 x 55-1/2 x 23-3/8 дюйма. Музей изящных искусств, Хьюстон; Коллекция Риенци.

К середине 1760-х годов такие дизайнеры, как Роберт Адам, создавший и популяризировавший лучшие неоклассические предметы интерьера, оживили британский мебельный дизайн свежим и утонченным классицизмом. Адам стремился отразить проекты древних, а не слепо подражать им, и его работа не была простой подделкой архитектурных элементов. Неоклассический дизайн в руках Адама и его соратников и последователей был необычайно разнообразен и поддавался поразительному разнообразию применений. Этот изысканный полуэллиптический столик в неоклассическом стиле, один из пары, является тому примером. Хотя дизайнер и производитель неизвестны, это произведение иллюстрирует влияние древнего мира на искусство краснодеревщика восемнадцатого века с его длинными, тонкими, прямыми ногами и использованием знакомых классических мотивов ваз, гирлянд, гирлянд, каннелюр, спиралевидных тростников, и гильоши. Канделябр или жирандол, предназначенный для размещения спиной к стене или пирсу, ставили на стол, над которым, вероятно, висело большое трюмо.

Эннемон-Александр Петито, французский язык, 1727–1801 гг., «Греческая невеста», 1771 г. Тарелка из Mascarade à la Grecque (гравюра Бениньо Босси), 10-1/8 x 7-7 /4 дюйма. С разрешения Библиотеки декоративного искусства, Париж.

Увлечение всем греческим, которое некоторые считали превосходящим римскую культуру, проявилось во многих отношениях в конце восемнадцатого века. Хотя Петито учился на архитектора, он более известен своими маскарадными костюмами «а-ля грек», злой пародией на археологическую моду на древность, которой он сам способствовал, когда был моложе. В наборе гравюр, опубликованном Бениньо Босси в 1771 году, Петито изобразил серию из девяти персонажей, среди которых монах, пастух, пастушка, невеста и жених, присутствующие на «греческом маскараде». Причудливый ансамбль каждой фигурки включает в себя множество классических элементов дизайна в ироничной презентации.

Элизабет Луиза Виже-Лебрен, француженка, 1755–1842 гг., Жозеф Франсуа де Поль, граф де Водрей (1740–1817, холст, масло, 8,5 дюймов), 0 . Предоставлено музеем изящных искусств Вирджинии, Ричмонд, подарок миссис А. Д. Уильямс.

Жозеф-Франсуа де Поль, граф де Водрей (1740–1817), занимал видное место при французском дворе в последние десятилетия старого режима. Доходы от карибских сахарных плантаций его семьи позволили ему приобрести впечатляющие коллекции произведений искусства, мебели и диковинок и расположить их в своем парижском доме и в замке Женвилье. Мадам Виже Лебрен очень восхищалась красивым дворянином и несколько раз изображала его. В этой версии Водрей великолепно одет со своими различными рыцарскими украшениями, а его дружелюбная анимация укрепляет его репутацию лучшего актера-любителя своего времени. Великолепный неоклассический резной и позолоченный fauteuil, в котором сидит Водрей, был заказан у модного парижского мебельщика Жоржа Жакоба и сегодня находится в апартаментах королевы Марии-Антуанетты в Версале.

Выставка исследует с разных точек зрения, как обновление классического вкуса берет свое начало в древних источниках. Поскольку неоклассическое движение, охватившее Европу в 1770-х и 1780-х годах, развивалось урывками и поскольку не существует единого окончательного «неоклассического» стиля, одной из целей выставки является изучение разновидностей стилистических реформ, которыми занимались художники, писатели , теоретики и меценаты. Например, то, что началось как отказ от искусственности и экстравагантности искусства позднего барокко и рококо в пользу стиля, вдохновленного эллинистической скульптурой, тем не менее обогатилось тем искусством и архитектурой, от которых, как утверждали сторонники классики, отреклись. Таким образом, полуэротический вид неоклассицизма, который практикует французский художник Жозеф-Мари Вьен, можно интерпретировать как рококо, так и неоклассицизм. Но художнику Греческая дева в бане (рис. 2), тем не менее, является основополагающим произведением французской жанровой живописи восемнадцатого века à la grecque (так тогда называли зарождающийся неоклассицизм), которая переносит зрителя в частный мир классической античности.

Другие художники подошли к классическому миру во всеоружии. Мраморный бюст императора Каракаллы (рис. 3) работы итальянского скульптора Бартоломео Кавачеппи является копией античного портрета печально известного римского императора. Эскизы Кристофа Унтербергера (рис. 4) для интерьера Музея Пио-Клементино в Ватикане вдохновлены античным римским декором, увиденным глазами Рафаэля.

Возрождение античности: неоклассическое искусство восемнадцатого века, с по 30 мая 2011 г., взято из коллекций Метрополитен-музея, Музея Дж.